国外大学毕业证书图片解读：《雨中曲 Singin' in the Rain》

无声电影转有声电影绝对是个讲不尽的话题。半个世纪以前的singin' in the rain在说，半个世纪后的the artist仍在说。说这个是电影史上的一个重要转折一点也不为过。singin' in the rain中就用很多诙谐的方式讲了那个时代的变化。
影片首先让我想到的是剪辑的变化。无声电影因为不受念台词的声音制约，剪辑电影的自由度很大。格里菲斯在默片时期就发展出古典剪辑和主题蒙太奇等剪辑方式。但有声电影出现的初期，是采取声影同步录制，这对于剪辑来说是一次挑战，要剪辑镜头的同时保持声音的连续性是很难解决的问题。于是，技术精湛的剪辑师大多收起了自己的锋芒，电影诞生之初最常见的“段落镜头”重掌江湖。所谓“段落镜头”，可理解为一刀不剪的长镜头。制片厂的老板Simpson先生在派对上展示的一段实验性质的有声影片，就是从头到尾都没有经过剪辑，甚至连镜位和机位都没有变过的段落镜头。
第二个是场面调度的变化。场面调度的内涵很广泛，主要是指电影导演如何选取镜框、设计构图、分配场面内的区域空间、确定摄影机和被摄物的距离等等。singin' in the rain里表现出的演员站位和表演的变化。我们在银幕前看到演员挥洒自如，但千万不要以为表演是随意的。每一步的路线，每一次站位，都是导演、摄影师和灯光师共同商量出来的。有声电影诞生之初，如今那种毛毛球的收音器还没有出现，麦克风只能藏在布景里。而且麦克风的收音效果并不理想，离得远的演员往往会录不到音。因此导演在场面调度时，不得不被录音因素牵制着。演员也因为这项技术缺陷，不得不调整自己的表演方式，说对白时尽量对准麦克风。不然就会像电影里lemon那样，还保持默片时期夸张的表演风格，头左摇右摆，声音完全不入麦，惹得导演敢怒不敢言了。
第三就是新老明星的交替。The Artist的另一个片名叫“星光梦里人”。我觉得形容无声电影转有声电影时期的好莱坞实在是再贴切不过了。成名是一场追逐浮华的梦。这个技术革新的时代，默片巨星一夜陨落，无名小咖瞬间崛起不是传说。前面提到，有声电影和无声电影对演员的表演风格的要求是不相同的。默片没有对白，对话的信息很大程度上要靠演员夸张的肢体语言和面部表情来传递。但电影有了声音，复杂的剧情只需两三句对白就可交代清楚，从前那套表演方法反而显得浮夸造作。很多默片时代的巨星就因为无法转变自身的表演方式而让自己的演绎生涯走向了末路。
演员的声线也成为一样很重要的因素。singin' in the rain里出现了决斗骑士的男女主角共同接受语言大师训练的场景。演员要学习如何吐字圆润清晰。虽然说话的腔调和技巧可以后天练习，但嗓音却是天生的。有的演员声线太不动听，或者于个人气质很不吻合，都制约了他们戏路的拓展。相反，一群年轻声音悦耳的演员就轻易上位。加上有声电影出现不久后，电影就迎来了歌舞片的鼎盛时期，对演员的声音要求更加高。正如能唱会跳凯西代唱代出头，而红极一时的李蒙却因自己扁平的声线毁掉了演艺事业。
第四就是剧本的改进。还记得geane kelly在戏中戏里说：“I love you. I love you. I love you.”时，电影院的观众说了一句：“写出这么烂对白的人都有钱拿吗？”默片时期对白的作用被降到了最低，最多偶尔在字幕卡上写两三句简短的话。于是，从来没有人想过琢磨对白，台词粗糙单调可想而知。但是有声电影可不允许编剧这样胡闹下去，为此他们开始挖空心思写金句。到戏中戏《舞之骑士》上映时，枯燥的对白已经变成了富有韵味的歌词。
电影发展过程中，每一项新技术的融合都需要一定的时间和电影人各种不断的实践和尝试。正如有声电影诞生之初，导演对声音的运用还不是很熟练。最初那些有声电影之所以取得成功，很可能是因为观众对声影同步的新鲜感。他们惊叹于开门的动作和门锁的声音可以如此同步时，与其说是在欣赏电影这项艺术，还不如说是在观摩录音这项新技术。正如阿凡达的剧情烂到极点，都不妨碍其成为一部意义重大的电影，因为它开启了3D时代，它从技术层面启发了后来的导演电影原来还可以这么拍。
电影的魅力在于，它艺术的升华是和每一项新技术磨合的结果。新技术的诞生，引发人们对拍摄电影的方式的思考，演变出新的电影理论，然后在一遍又一遍电影人的实践和影评人检阅中，找出艺术和技术的融合的最佳方式，电影史于是就往前迈进了一大步。